CRÍTICA de ABIGAIL (2024) por Juan Antonio Galindo

Crítica de la nueva película de terror "Abigail", dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett.

SINOPSIS

Después de que una banda de delincuentes secuestre a una bailarina de 12 años, hija de un poderoso capo del hampa, a los secuestradores solo les queda vigilar a la niña durante una noche para cobrar el rescate de 50 millones de dólares. En una mansión alejada de todo, los raptores empiezan a desaparecer uno a uno y descubren, con creciente horror, que están encerrados con una niña nada normal.

Radio Silence –el dúo de directores formado por Matt Bettinelli y Tyler Gillett, responsables de aterradores éxitos modernos como Noche de bodas, Scream, de 2022, y Scream VI, estrenada el año pasado– está a la cabeza de un nuevo y sangriento enfoque de la película de vampiros escrita por Stephen Shields (Bosque maldito, la serie “Zombie Bashers”) y Guy Busick (la franquicia Scream, Noche de bodas).

Los protagonistas de Abigail son Melissa Barrera (la franquicia Scream, En un barrio de Nueva York), Dan Stevens (las series Gaslit y Legion), Kathryn Newton (Ant-Man y la Avispa: Quantumanía, Este cuerpo me sienta de muerte), William Catlett (La serie Black Lightning, la miniserie Una historia real), Kevin Durand (Resident Evil: Venganza, X-Men Orígenes: Lobezno) y Angus Cloud (la serie Euphoria, North Hollywood) en el papel de los secuestradores, y Alisha Weir (Matilda, de Roald Dahl: el musical, la serie Darklands) como Abigail.

CRÍTICA

Abigail es un mejunje de malas decisiones y unos cuantos homenajes a diferentes subgéneros del cine de terror. La primera mala decisión la encontramos en su sinopsis, que nos cuenta demasiado (casi tanto como el tráiler). Se desvela el giro más interesante, que bien podría haber resultado efectivo a la hora de sorprender al espectador si se hubiera reservado para el momento oportuno.

Por otro lado, el filme carece de tensión, incluso en los momentos que tendrían que ser más terroríficos. A pesar de que el diseño de algunos personajes está muy logrado, la cinta no consigue darnos un buen motivo para agarrarnos a la butaca en sus 100 minutos de metraje. Hay escenas con litros y litros de sangre, pero sus directores parecen estar empeñados en apartar la cámara para no tratar de herir la sensibilidad de nadie.

Abigail, malas decisiones 

Además, si hay algo que convierte a esta Abigail en un producto muy estándar, no es la previsibilidad de su argumento y el desarrollo de este. Hay una evolución prácticamente nula por parte de los protagonistas. A los espectadores les resultará imposible empatizar con los personajes. Y para colmo, muchas de las situaciones que se plantean se resuelven de una manera inverosímil, casi apresurada.

Pero claro, algunos espectadores perdonarán todo esto debido a que la cinta también juega de una forma constante con el uso del humor negro. Y aunque nosotros no hemos conseguido conectar con este, otros probablemente pasen un rato divertido y entretenido gracias a sus dosis de sangre y de comedia.

Conclusión 

Abigail es una película fallida. La falta de tensión y de desarrollo de los personajes, la poca valentía de los guionistas y directores que no se lanzan a crear algo original y con estilo propio, hacen de esta película una especie de home invasion muy mediocre con algunas pinceladas del slasher clásico. Probablemente sea de esas películas que sobre el papel, se veía y sonaba mejor que en su resultado final, después de convertirse en largometraje. Un producto olvidable, pero que sin embargo podrá ofrecer un rato divertido para aquellos/as que vayan buscando una experiencia sencilla y directa, con algo de humor y sangre.

CRÍTICA de CIVIL WAR (2024) por @kubrick_hates_thursdays

Crítica de la nueva y posible última película de Alex Garland, protagonizada por Kirsten Dunst, Wagner Moura y Cailee Spaney

SINOPSIS

En un futuro cercano, donde América está sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al presidente de Estados Unidos.

CRÍTICA

El director y guionista Alex Garland recupera aquí su mejor versión, aquella que le condujo hasta su ópera prima, 'Ex Machina' y se cuela definitivamente, con este tensionado, impactante e inmersivo drama antimilitarista, político y social, en esa distinguida y corta lista de autores que hacen de un blockbuster un lugar tremendamente juguetón, a la vez que desasosegante e inhóspito, pero que invita a la más abisal de las reflexiones. 'Civil War' no es la vacua pirotecnia que erróneamente nos indica su trailer. Va un paso más allá. Porque a pesar de tratarse de una distopía, se siente muy real y alarmantemente pegada a nuestra aciaga contemporaneidad. Y porque, además de esquivar sus balas, como ya pasaba en los anteriores trabajos de Garland ('Anihilation', 'Devs' y 'Men'), el espectador, desde su butaca (imprescindible verla en una sala de cine) debe sortear la desesperanza y el desaliento del mensaje que nos lanza.

Para que os hagáis una idea, 'Civil War' seria como si una aguerrida Katherine Bigelow y un Denis Villeneuve menos intenso hubieran rodado juntos el resultado de la suma de 'Bajo el Fuego', 'Nightcrawler', 'La Carretera' e 'Hijos de los Hombres'. Esta cinta sobre el auge de la división y los autoritarismos en el mundo, que parece inspirada en los últimos asaltos a los Congresos americanos y brasileños, nos habla del fin de Occidente. Del más conocido e idealizado por todos. Ese que vive enmarañado en discusiones cuyo origen es lo de menos e inmiscuido en absurdas batallas, cuyos frentes se confunden y se diluyen ante nuestros ojos y de las que nadie se atreve a auditar ni sus causas, ni sus consecuencias. El nuevo y deshumanizado periodismo, famélico de actualidad y adicto al conflicto, metáfora de nosotros mismos, la otra gran cuestión que trata esta película, que sobrevive más preocupado por estar que por ser, inmune al dolor ajeno y capaz de matar por una fotografía, por una declaración, por una exclusiva, ha dimitido de ello. Un periodismo que coarta su plan de trabajo en pos de una falsa objetividad y que deja el peso moral de la interpretación de los hechos en manos de la opinión pública.

(...) Una obra como esta, que ensalza el poder de las imágenes y que pone al mismo nivel de impacto el click de una cámara Leica y el estallido de las balas de un subfusil de asalto, tenía que ser visualmente poderosa. 'Civil War, como todas las obras de Alex Garland, lo es. Hay más cámara en mano de lo habitual, que sirve para meternos a ras de guerra y de paso, sacarnos de la plácida trinchera en la que convive una colección de planos más arty, que reposan imágenes que aspiran a la trascendencia, en un terrorífico clima. Una atmósfera cálida y nerviosa que se debate entre la pesadillesco y lo postraumático. 

Garland ha cuidado al máximo estos detalles que definen lo mejor de su cine. Pero aquí, a quien ha consagrado en un protagonista más de la historia que nos ha querido contar es al sonido. Su inmersiva intervención en las escenas de acción bélicas, acercándola lo más posible a la realidad, dan auténtico pavor. El estruendoso ruido y los posteriores silencios que provocan la artillería  que oímos en esta película, la convierten de facto en una cinta de terror. Si las guerras suenan igual que en 'Civil War' no quiero ser testigo de ninguna de ellas.

CRÍTICA de SPY X FAMILY CÓDIGO: BLANCO (2023) por Juan Antonio Galindo

Spy X Family código: blanco llega a los cines españoles el 19 de abril de 2024. La película funciona como una extensión de la famosa serie anime y aterriza en las salas de la mano de Sony Pictures y Crunchyroll. En SOYDECINE ya hemos podido disfrutar de ella y, de cara a su estreno, queremos contarte qué nos ha parecido.

SINOPSIS

Él es un espía. Ella es una asesina. Juntos, Loid y Yor ocultan sus dobles vidas mientras fingen ser la familia perfecta. Sin embargo, su hija adoptiva, Anya, que es telépata, conoce los emocionantes secretos de ambos sin que lo sospechen. Bajo la excusa de llevar a su familia a una escapada invernal, los intentos de Loid por avanzar en su misión en curso, Operation Strix, se complican cuando Anya se involucra por error, desencadenando acontecimientos ¡que amenazan la paz mundial!

CRÍTICA

La familia de espías más famosa del anime llega a la gran pantalla con un nuevo capítulo. La cinta llega un tiempo después de su estreno en Japón, y con dos temporadas a sus espaldas (disponibles al completo en Crunchyroll). Spy x Family Código: Blanco puede servir como primera toma de contacto para quienes desconozcan a Anya, Yor, Twilight y el adorable Bond. Cómo viene siendo habitual cuando se hace una película de un anime, este nuevo episodio no formaría parte del canon y está pensado para que cualquiera pueda disfrutarlo.

Spy x Family sigue las aventuras de Loid Forger, un espía cuyo alias es el de Twilight, que para cumplir su misión y llegar a su objetivo, tendrá que formar una familia falsa casándose y adoptando a un hijo. Su esposa, Yor Forger, es en realidad una letal asesina, mientras que su hija adoptiva, Anya, posee poderes telepáticos, y para colmo, el perretes, Bond, es capaz de ver el futuro. La serie combina grandes dosis de comedia con tramas y homenajes al cine de espias, convirtiéndose en un éxito absoluto tanto en el mercado nipón como internacional.

Spy x Family Código: Blanco. Operación Meremere

La historia de Código: Blanco continúa con Twilight, que trata de progresar en la Operación Strix (la misión que justifica todo el argumento de la serie). Loid debe asegurarse de que su hija adoptiva, Anya, llegue a destacar en la escuela para hacerse con un hueco en la élite de los alumnos más aventajados y de este modo poder contactar con con un alto directivo que resultaría clave para alcanzar la paz entre Ostania y Westalis (los países que separan una región ficticia en guerra). Todo esto y algunos otros detalles esenciales nos lo contarán con una voz en off y usando algunos flashbacks en el prólogo.

El director de la escuela organiza un concurso de cocina, en él, los alumnos deberán preparar el mejor postre que puedan. El ganador o ganadora conseguirá una de las 8 estrellas necesarias para entrar en la élite de la escuela.

Humor y espías

Y este es el punto de partida de la película. Spy x Family Código Blanco mantiene los patrones del anime. El humor absurdo, las referencias al cine de espías y los momentos de acción están al nivel de los de la serie. Aunque es evidente y se nota un aumento de presupuesto.

A nivel de animación, el filme luce bastante bien. Los diseños y las expresiones de los personajes, los escenarios… Todo está cuidado al detalle. Aunque no hay duda de que las secuencias de acción y tiroteos son probablemente los momentos que más sacan a relucir el trabajo por parte de Wit Studio.

Rellenando Spy x Family

Cada uno de los protagonistas presenta su propia trama, que además tendrá su desarrollo y conclusión en la propia película.

Desafortunadamente hay una falta total de tensión sobre lo que está en juego. No hay que olvidar que cuando esté tipo de producciones no canónicas acaban, tienen que regresar a su punto de partida. No puede suceder nada relevante que determine y cambie el futuro de los personajes y su destino en esta historia. Por lo tanto, es extremadamente difícil ofrecer giros de guión y momentos que acaben generando un gran impacto en los espectadores.

En definitiva…

Spy x Family Código: Blanco funcionará a las mil maravillas para quienes ya estén familiarizados con los personajes, la animación y su particular humor. Pero como bien decíamos esta historia también se siente como un capítulo independiente, creado para que quienes no hayan visto nunca el anime, puedan disfrutarlo tanto como los/as fans (si es que consiguen conectar con la propuesta). Una apuesta original y divertida. Ideal para descubrir uno de los animes de moda.

CRÍTICA de MENUDAS PIEZAS (2024) por Manu Millán

Crítica de la película "Menudas Piezas", la nueva comedia dirigida por el español Nacho G. Velilla y protagonizada por Alexandra Jiménez y Maria Adánez.

SINOPSIS

Candela, tras su divorcio, pierde su trabajo en un colegio de élite. Es hora de recolocar las piezas en el tablero y buscar una segunda oportunidad dando clases en su antiguo instituto. Pasa de la crème de la crème, a la crème de la mediocridad. Pero aprenderá que lo importante no es quién fuiste ayer, sino quién eres hoy, que un grupo de perdedores pueden acabar siendo campeones de España, y que, en el ajedrez, y en la vida, no importa si eres rey o peón, porque todos acaban en la misma caja. 

CRÍTICA

Menudas piezas se inspira en la historia de Enrique Sánchez, un profesor que logró llevar a un grupo de jóvenes a la victoria en el Campeonato de España de Ajedrez. Es la típica historia de superación que hemos visto en otras ocasiones, caracterizada por enrocar el humor con la crítica social para crear un producto que, si bien hará las delicias de su público objetivo, pasa muy de puntillas por la premisa del ajedrez que pretende enarbolar.

Entre sus puntos fuertes se destaca un elenco compuesto por artistas con amplia experiencia, junto a jóvenes talentos que aportan una frescura única al conjunto.

CRÍTICA de THE PALACE (2023) por Juanqui Manrique

Dirigida y co-escrita por el legendario, y siempre polémico, Roman Polanski, The Palace narra los vaivenes de una serie de personajes en el Hotel Palace a la víspera de la celebración del año 2000.

A pesar de las últimas controversias que le rodean, el director ha conseguido reunir un interesante, multicultural y poco convencional grupo de actores para su reparto: Oliver Masucci (Dark, La sombra del pasado), Mickey Rourke (El luchador), Fanny Ardant (8 mujeres) o John Cleese (La vida de Brian).

SINOPSIS

Siguiendo los pasos de estructuras narrativas como Arriba y Abajo o Gosford Park, The Palace cuenta la historia tanto del personal como de los huéspedes del Hotel Palace. Las historias se entrecruzan para mostrar sus diferencias sociales, excentricidades y demás absurdos requerimientos de la clase alta.

CRÍTICA

Siempre ha habido controversia alrededor de Polanski y siempre la habrá, ya sea tanto por motivos on camara como off camara. The Palace no es una excepción. El director se ha rodeado del mayor número de jokers posibles (estéticamente hablando) para realizar su comedia más directa y más políticamente incorrecta. Al ser una obra coral, es cierto que se pierde un poco el desarrollo de algunos personajes, pero los importantes están presentes todo el rato. Polanski no está tan interesado en contarnos la historia de todos ellos, sino en hacer un retrato genérico de las diferencias de clase mediante sus personajes.

Polanski parece que ha querido hacer una peineta en toda regla hacia el clima de lo políticamente correcto en el que vivimos, y no deja títere con cabeza a la hora de bromear de cualquier cosa: religión, naciones, formas corporales, etc. Quizás de bromista puede acabar siendo un poco casposo, pero uno no puede evitar reírse cuando ya pocos se atreven a jugar a la vieja parodia.

ARRIBA Y ABAJO

El reparto reúne al más variado y extraño elenco que te puedas imaginar. El acierto del director ha sido escoger a actores de todas partes del mundo para crear esa sensación de hotel internacional. Las mejores actuaciones corren a cargo de Oliver Masucci, aguantando la vena cada vez que se dirige a un huésped, y de Fanny Ardant, quien muestra una falsa fragilidad que te irrita y al mismo tiempo te hace reír. 

John Cleese sigue en forma a sus 84 años y demuestra cómo una simple sonrisa puede ser suficiente para que te partas de risa. Y en cuanto a Mickey Rourke, uno no sabe si se parodia a sí mismo o se postula como candidato para un biopic de Donald Trump, pero muestra, dentro de lo despreciable que es, un lado cómico poco explotado.

LA CUENTA POR FAVOR…

No es de las mejores películas que ha hecho el director. Tampoco es su mejor comedia. Y posiblemente, no es la película que nos imaginábamos que cerraría su filmografía; pero Roman Polanski ha decidido que, si esta iba a ser su última película, quería despedirse haciendo una obra con guiños a sus películas anteriores, criticando la hipocresía de las clases que en su momento le dieron la espalda y lanzando un mensaje directo a quienes han juzgado su cine por motivos no cinematográficos.

Roman Polanski ha sido siempre un provocador… y esta es su provocación definitiva.

CRÍTICA de PÁJAROS (2024) por Juanqui Manrique

Crítica de la nueva película de Pau Durá, protagonizada por Luis Zahera y Javier Gutiérrez.

SINOPSIS

Colombo trabaja en un garaje 24 horas y complementa su mísero sueldo trapicheando con marihuana. Mario, un tipo peculiar y aficionado a las aves, que aparece inesperadamente en el garaje, lo contrata de chófer para ir a la Costa Brava a ver grullas. Pero al llegar a su destino, le cuenta que las aves han variado su rumbo migratorio hacia el delta del Danubio, en Rumanía. Mario necesita llegar hasta allí. Y Colombo necesita el dinero. Ocultando sus verdaderos motivos, emprenden un viaje que los llevará a conocerse mejor y enfrentarse a sí mismos.

CRÍTICA

Un relato sobre la inseguridad en la madurez masculina con dos pesos pesados, que son su principal atractivo. Bardem, Tosar, De La Torre y ahora Zahera. El actor demuestra una vez más su versatilidad en esta feel good movie, mostrando un personaje que parecía pensado para su compañero de reparto. Sin embargo, Javier Gutiérrez sabe mostrarnos porqué nos encanta verle en el papel escogido para él. No es la road movie definitiva, pero os hará pasar un buen rato con sus personajes.

CRÍTICA de MILLI VANILLI: GIRL YOU KNOW IT'S TRUE (2023) por Juan Antonio Galindo

La película sobre el mayor escándalo en la historia de la música pop

Milli Vanilli: Girl you know it’s true, dirigida por el cineasta alemán Simon Verhoeven, relata uno de los episodios más polémicos de la historia del pop, la del dúo germano-francés Milli Vanilli, que triunfó en las listas de ventas mundiales a finales de los 80 y principios de los 90,hasta que se reveló que no eran ellos quienes cantaban sus canciones.

Los debutantes Tijan Njie y Elan Ben Ali dan vida a Rob Pilatus y Fab Morvan, dos bailarines que bajo el mando del productor alemán Frank Farian, famoso por su trabajo con Boney M. e interpretado en la película por Matthias Schweighöfer (Oppenheimer), lograron vender más de 7 millones de copias a nivel mundial de su single Girl You Know It’s True. Al descubrirse el fraude, su caída fue fulminante e incluso les fue retirado el Grammy que ganaron en 1990 al mejor artista revelación.

SINOPSIS

Milli Vanilli, el dúo formado por el alemán Rob Pilatus y el francés Fab Morvan, se convirtió en un fenómeno musical a finales de los 80 y principios de los 90. Con canciones tremendamente populares, arrasaron en las listas de éxitos de todo el mundo. Fab y Rob parecían tener una gran carrera por delante, hasta que la verdad fue revelada: no eran ellos quienes cantaban sus canciones. Lo que siguió fue uno de los mayores escándalos en la historia de la música. Su ascenso meteórico a la fama acabó siendo eclipsado por su devastadora caída.

CRÍTICA

La película narra la historia de Milli Vanilli desde sus comienzos. Morvan conoció a su compañero y colega Rob Pilatus en Múnich, cuando tenían 18 años. Conectaron desde el primer momento gracias a su amor por el baile y la música. Además, los dos pasaron por una infancia difícil, se marcharon muy temprano de sus hogares y desde muy jóvenes, sufrieron conductas racistas, fruto de criarse en una sociedad predominantemente blanca. A pesar de todas esas dificultades (que se repasan muy por encima en esta película) compartían el sueño de triunfar en la industria de la música.

Lo tenían prácticamente todo: un físico inmejorable, grandes dotes en la pista de baile; solo necesitaban un productor que pudiera propulsarlos a la fama y que supiera extraer todo el potencial que tenían. Y es en ese momento cuando aparecen Farian y su mano derecha, Ingrid "Milli" Segieth, su secretaria y novia. La cinta cuenta cómo consiguieron que Fab y Rob firmaran el contrato que les condenaría para siempre. Según Morvan, fue Farian quien les presentó la canción "Girl You Know It's True" y les pidió directamente que hicieran playback para el videoclip y las presentaciones en televisión. Ellos siempre creyeron que acabarían cantando sus propias canciones.

La verdad detrás de Milli Vanilli 

Ya sea por obligación o voluntad propia, los jóvenes bailarines desempeñaron su rol pensando que acabarían alcanzando sus sueños. Sin embargo, cuando Farian lanzó la canción en Europa, "Girl You Know It's True" se convirtió en un hit instantáneo y Milli Vanilli experimentó un éxito que iría mucho más allá de lo que jamás podrían haber imaginado.

A medida que las canciones del grupo comenzaron a dominar las listas de éxitos de todo el mundo y aumentaron las presiones para mantener su secreto, el atractivo de la fama era demasiado tentador para dejarlo pasar. 

La película ofrece una mirada bastante completa de un momento infame en la historia de la música. Si bien Morvan reconoce su papel y el de Pilatus, también queda claro que el castigo y la humillación que recibieron fue desproporcionada. En muchos aspectos, la cinta se acerca al documental tratando de dar el espacio suficiente a todos los integrantes, desde Farian hasta el gurú de la música Clive Davis y la gente de Artist Records, que también desempeñaron un papel crucial en la perpetuación de la mentira. Sin embargo, nunca se enfrentaron al desprestigio con la misma virulencia que Morvan y Pilatus.

Milli Vanilli: Girl you know it's true, un biopic acertado 

Y aquí es donde Milli Vanilli: Girl you know it's true se hace grande. Aunque pasa por muchos detalles de la historia de forma más superficial, su epicentro en todo momento es contar el que fue uno de los mayores escándalos de la historia de la música desde una perspectiva objetiva y honesta, siempre a través de los ojos de Rob y Fab. Son los propios personajes los que llevan el ritmo de la historia y quienes la narran desde una habitación de hotel, rompiendo la cuarta pared y hablando directamente al espectador.

El cineasta alemán Simon Verhoeven ha conseguido crear un biopic satisfactorio en todos sus apartados. El diseño de producción también está muy cuidado para hacernos sentir de nuevo a finales de los años 80 y para tratar de representar cómo funcionaba la industria musical en esa época.

Además Tijan Njie y Elan Ben Ali ofrecen un debut más que correcto dando vida a Rob Pilatus y Fab Morvan. Aunque destacamos el trabajo de Matthias Schweighöfer, que consiguió sacarnos más de una carcajada.

En definitiva...

Milli Vanilli: Girl you know it's true, relata de una forma muy acertada el meteórico ascenso y la caída total de Robert Pilatus y Fabrizio Morvan, quienes debutaron en 1988 como Milli Vanilii. Se convirtieron en una sensación internacional y llegaron a ganar un Grammy en 1990 por Mejor Nuevo Artista. La cinta trata de contar esta sorprendente historia desde un punto de vista único y sincero, siempre bajo el prisma de Rob y Fab. Un retrato certero de cómo funciona la industria musical, y de la cruda realidad que esconde el sueño americano.