CRÍTICA de LA CASA (2024) por Manu Millán

Crítica de "La Casa", protagonizada por David Verdaguer y dirigida por Álex Montoya.

SINOPSIS

Tras la muerte de su padre, tres hermanos se reúnen en la casa familiar en la que pasaron los veranos de su infancia. Toca decidir qué hacer con la vivienda, lo que resultará más difícil de lo esperado. Basada en la novela gráfica homónima de Paco Roca ganadora de un Premio Eisner en 2020.

CRÍTICA

Basada en la novela gráfica homónima de Paco Roca, La casa es una película que tiene algo especial. Partiendo del recuerdo de un jardín, se entremezclan los olores del naranjo, de la higuera y de los recuerdos de lo nunca dicho pero siempre presente para mostrarnos como viven el duelo personas conectadas por el vínculo familiar, muchas veces causante de los peores problemas. La tristeza lo envuelve todo pero, a la vez, lo hace tan conmovedor que, sin darte cuenta, sonríes a la vez que estás llorando. Esa es la complejidad del ser humano. Y Álex Montoya la ha hecho película.

CRÍTICA de EL MAL NO EXISTE (2023) por Manu Millán

Crítica de la nueva cinta del relizador japonés Ryûsuke Hamaguchi, tras su exitosa "Drive my Car". Llega a nuestras salas este mismo 1 de mayo

SINOPSIS

Takumi y su hija, Hana, viven en un pueblo cercano a Tokyo. Su vida se verá profundamente afectada cuando descubren que cerca de su casa se va a construir un glamouroso camping para que los habitantes de la ciudad hagan escapadas cómodas a la naturaleza. Cuando dos representantes de una empresa de Tokio llegan al pueblo para celebrar una reunión, queda claro que el proyecto tendrá un impacto negativo en el suministro de agua local y provocará problemas. Las intenciones de la agencia ponen en peligro tanto el equilibrio ecológico de la meseta como su forma de vida, con consecuencias que afectan profundamente la vida de Takumi.

CRÍTICA

El mal no existe (Evil Does Not Exist) es la nueva propuesta cinematográfica del oscarizado Ryûsuke Hamaguchi (Drive my car). Con ciertos matices a Dersu Uzala y a La princesa Mononoke, El mal no existe reivindica la conservación de la naturaleza frente al proceso perturbador del turismo.

Una mirada sosegada y tranquila a un problema de carácter global, donde el sonido y la contemplación de los parajes naturales resultan esenciales, quizás, como los personajes principales de la historia.

CRÍTICA de RIVALES (2024) por Juan Antonio Galindo

Critica de la nueva película de Luca Guadagnino, protagonizada por Zendaya, Josh 'O Connor y Mike Faist. Rivales llega a las salas de nuestro país este 26 de abril

SINOPSIS

De la mano del realizador Luca Guadagnino llega a la gran pantalla “Rivales”, una película protagonizada por Zendaya en el papel de Tashi Duncan, una antigua estrella del tenis convertida en entrenadora. Tashi es además una fuerza de la naturaleza que no pide disculpas ni dentro ni fuera de la pista. Casada con un campeón que atraviesa una racha de derrotas (Mike Faist), la estrategia de Tashi para la redención de su marido da un giro sorprendente, ya que éste deberá enfrentarse al fracasado Patrick (Josh O’Connor), su antiguo mejor amigo y ex novio de Tashi. Mientras sus pasados y sus presentes chocan y las tensiones van en aumento, Tashi tendrá que hacerse la siguiente pregunta: ¿cuánto va a costar ganar?

Guadagnino, nominado al Oscar y al BAFTA dirige a partir de un guion de Justin Kuritzkes. La película está producida por Amy Pascal, Guadagnino, Zendaya y Rachel O’Connor, con Bernard Bellew como productor ejecutivo.

CRÍTICA

Zendaya, Josh O'Connor y Mike Faist forman un triángulo amoroso en un thriller romántico con pequeñas dosis de humor y mucha tensión sexual. El acercamiento que ofrece esta rivales a nivel deportivo, es sencillamente brillante. Una cinta maravillosamente realizada en todos sus apartados que mantendrá a los espectadores pegados a la pantalla.

Patrick (Josh O'Connor) y Art (Mike Faist) son dos adolescentes que buscan convertirse en estrellas del tenis. Su amistad se pondrá en peligro cuando aparece la estrella en ascenso Tashi (Zendaya), y más en el momento que promete su número de teléfono al ganador de un encuentro que les enfrentará, a pesar de ser compañeros en los torneos y competiciones de dobles.

Con las libidos al nivel del de cualquier adolescente, la rivalidad fuera de pista también comienza a asomar, y con ella la obsesión, los celos y el rencor que conlleva estar enamorados de la misma chica. A medida que esto sucede, la amistad entre nuestros protagonistas irá desapareciendo. Ese enredo romántico afectará a todo lo que rodea a la película. De esta forma se tocarán ciertos temas como la autosuperación, la lealtad o la venganza en una historia romántica electrizante y absorbente.

Rivales, un auténtico Grand Slam

Las actuaciones de sus tres protagonistas, están a un altísimo nivel. O'Connor hace de un jugador al que le pesa su propia arrogancia. Un deportista competitivo, audaz con la raqueta, pero vagamente entregado. Faist es un tenista más profesional, más ambicioso y también más sensible. Aunque también es más egoísta que su compañero. Y en último lugar tenemos a Zendaya que ofrece probablemente la mejor interpretación de su carrera. Su personaje es demoledor a través de las miradas y los gestos. Una deportista que tiene muy claro su lugar en el mundo y que será capaz de controlar y manipular a cualquiera con tal de conseguir todo lo que se propone. 

Hay momentos en los que Guadagnino abandona el diálogo y deja que estas tres caras hablen a través de los ojos, con el uso de la cámara lenta para elevar lo que de otro modo serían momentos fugaces y efímeros, dándoles grandeza, dejando al descubierto las almas de sus protagonistas de una forma muy íntima. Mientras tanto, la música techno de Trent Reznor y Atticus Ross llena muchos de estos momentos de una tensión casi insostenible a los que también acompañan unos increíbles juegos de cámara.

Sobresaliente en lo técnico 

Otra de las cosas que habría que destacar es sin duda el montaje. Si algo ha conseguido Rivales es mantener nuestra atención de inicio a fin. La película avanza y retrocede en el tiempo de este enrevesado romance mientras se va dirigiendo a un último partido, en el que ambos tenistas se encuentran de nuevo después de todo lo que van a vivir durante la película.

Rivales está magistralmente realizada. Es un trabajo de precisión en el que no hayamos casi diferencias entre lo que sucede dentro o fuera de la pista. Sí, hay mucho tenis, pero no estamos frente a una película que hable del deporte (aunque esté excepcionalmente representado). La historia reflexiona sobre el coste que acarrean muchas de las decisiones que tomamos en una relación (ya sea de amistad o de amor) a través de este particular romance, que aunque es totalmente inventado, se siente real y tangible.

En definitiva...

Rivales es un thriller erótico altamente disfrutable, con algunas dosis de humor negro y que acierta de pleno en su visión de un deporte como es el tenis. Sus tres protagonistas están soberbios en cada uno de sus papeles. Además, el enfoque y algunos toques del director italiano hacen de esta cinta un producto muy bien elaborado a nivel técnico. Una auténtica sorpresa que sitúa a Luca Guadagnino como uno de los directores italianos más relevantes de este siglo.

CRÍTICA de RABOS: EL MUSICAL (2023) por Manu Millán

Crítica de la nueva apuesta musical de A24, dirigida por Larry Charles y escrita y protagonizada por Aaron Jackson y Josh Sharp

SINOPSIS

Craig y Trevor, dos rivales en los negocios, narcisistas y fanfarrones, descubren que son gemelos idénticos separados al nacer. A partir de ese momento, deciden intercambiarse para conseguir que sus padres divorciados vuelvan a estar juntos.

CRÍTICA

A24 nos trae su primera aproximación al género con Rabos: el musical. Una película a la que acudir sin prejuicios y alejada del candor que normalmente se le presupone a los musicales, en el que las canciones, además de aportar a la historia, rezuman mala leche, humor, surrealismo y diversión. Dirigida por Larry Charles (Borat), es divertida, tiene alma y ningún filtro, algo que realmente se agradece. Y tiene algo que muchas veces echamos de menos: tomas falsas en los títulos de crédito. ¿Qué más se puede pedir?

CRÍTICA de ABIGAIL (2024) por Juan Antonio Galindo

Crítica de la nueva película de terror "Abigail", dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett.

SINOPSIS

Después de que una banda de delincuentes secuestre a una bailarina de 12 años, hija de un poderoso capo del hampa, a los secuestradores solo les queda vigilar a la niña durante una noche para cobrar el rescate de 50 millones de dólares. En una mansión alejada de todo, los raptores empiezan a desaparecer uno a uno y descubren, con creciente horror, que están encerrados con una niña nada normal.

Radio Silence –el dúo de directores formado por Matt Bettinelli y Tyler Gillett, responsables de aterradores éxitos modernos como Noche de bodas, Scream, de 2022, y Scream VI, estrenada el año pasado– está a la cabeza de un nuevo y sangriento enfoque de la película de vampiros escrita por Stephen Shields (Bosque maldito, la serie “Zombie Bashers”) y Guy Busick (la franquicia Scream, Noche de bodas).

Los protagonistas de Abigail son Melissa Barrera (la franquicia Scream, En un barrio de Nueva York), Dan Stevens (las series Gaslit y Legion), Kathryn Newton (Ant-Man y la Avispa: Quantumanía, Este cuerpo me sienta de muerte), William Catlett (La serie Black Lightning, la miniserie Una historia real), Kevin Durand (Resident Evil: Venganza, X-Men Orígenes: Lobezno) y Angus Cloud (la serie Euphoria, North Hollywood) en el papel de los secuestradores, y Alisha Weir (Matilda, de Roald Dahl: el musical, la serie Darklands) como Abigail.

CRÍTICA

Abigail es un mejunje de malas decisiones y unos cuantos homenajes a diferentes subgéneros del cine de terror. La primera mala decisión la encontramos en su sinopsis, que nos cuenta demasiado (casi tanto como el tráiler). Se desvela el giro más interesante, que bien podría haber resultado efectivo a la hora de sorprender al espectador si se hubiera reservado para el momento oportuno.

Por otro lado, el filme carece de tensión, incluso en los momentos que tendrían que ser más terroríficos. A pesar de que el diseño de algunos personajes está muy logrado, la cinta no consigue darnos un buen motivo para agarrarnos a la butaca en sus 100 minutos de metraje. Hay escenas con litros y litros de sangre, pero sus directores parecen estar empeñados en apartar la cámara para no tratar de herir la sensibilidad de nadie.

Abigail, malas decisiones 

Además, si hay algo que convierte a esta Abigail en un producto muy estándar, no es la previsibilidad de su argumento y el desarrollo de este. Hay una evolución prácticamente nula por parte de los protagonistas. A los espectadores les resultará imposible empatizar con los personajes. Y para colmo, muchas de las situaciones que se plantean se resuelven de una manera inverosímil, casi apresurada.

Pero claro, algunos espectadores perdonarán todo esto debido a que la cinta también juega de una forma constante con el uso del humor negro. Y aunque nosotros no hemos conseguido conectar con este, otros probablemente pasen un rato divertido y entretenido gracias a sus dosis de sangre y de comedia.

Conclusión 

Abigail es una película fallida. La falta de tensión y de desarrollo de los personajes, la poca valentía de los guionistas y directores que no se lanzan a crear algo original y con estilo propio, hacen de esta película una especie de home invasion muy mediocre con algunas pinceladas del slasher clásico. Probablemente sea de esas películas que sobre el papel, se veía y sonaba mejor que en su resultado final, después de convertirse en largometraje. Un producto olvidable, pero que sin embargo podrá ofrecer un rato divertido para aquellos/as que vayan buscando una experiencia sencilla y directa, con algo de humor y sangre.

CRÍTICA de CIVIL WAR (2024) por @kubrick_hates_thursdays

Crítica de la nueva y posible última película de Alex Garland, protagonizada por Kirsten Dunst, Wagner Moura y Cailee Spaney

SINOPSIS

En un futuro cercano, donde América está sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al presidente de Estados Unidos.

CRÍTICA

El director y guionista Alex Garland recupera aquí su mejor versión, aquella que le condujo hasta su ópera prima, 'Ex Machina' y se cuela definitivamente, con este tensionado, impactante e inmersivo drama antimilitarista, político y social, en esa distinguida y corta lista de autores que hacen de un blockbuster un lugar tremendamente juguetón, a la vez que desasosegante e inhóspito, pero que invita a la más abisal de las reflexiones. 'Civil War' no es la vacua pirotecnia que erróneamente nos indica su trailer. Va un paso más allá. Porque a pesar de tratarse de una distopía, se siente muy real y alarmantemente pegada a nuestra aciaga contemporaneidad. Y porque, además de esquivar sus balas, como ya pasaba en los anteriores trabajos de Garland ('Anihilation', 'Devs' y 'Men'), el espectador, desde su butaca (imprescindible verla en una sala de cine) debe sortear la desesperanza y el desaliento del mensaje que nos lanza.

Para que os hagáis una idea, 'Civil War' seria como si una aguerrida Katherine Bigelow y un Denis Villeneuve menos intenso hubieran rodado juntos el resultado de la suma de 'Bajo el Fuego', 'Nightcrawler', 'La Carretera' e 'Hijos de los Hombres'. Esta cinta sobre el auge de la división y los autoritarismos en el mundo, que parece inspirada en los últimos asaltos a los Congresos americanos y brasileños, nos habla del fin de Occidente. Del más conocido e idealizado por todos. Ese que vive enmarañado en discusiones cuyo origen es lo de menos e inmiscuido en absurdas batallas, cuyos frentes se confunden y se diluyen ante nuestros ojos y de las que nadie se atreve a auditar ni sus causas, ni sus consecuencias. El nuevo y deshumanizado periodismo, famélico de actualidad y adicto al conflicto, metáfora de nosotros mismos, la otra gran cuestión que trata esta película, que sobrevive más preocupado por estar que por ser, inmune al dolor ajeno y capaz de matar por una fotografía, por una declaración, por una exclusiva, ha dimitido de ello. Un periodismo que coarta su plan de trabajo en pos de una falsa objetividad y que deja el peso moral de la interpretación de los hechos en manos de la opinión pública.

(...) Una obra como esta, que ensalza el poder de las imágenes y que pone al mismo nivel de impacto el click de una cámara Leica y el estallido de las balas de un subfusil de asalto, tenía que ser visualmente poderosa. 'Civil War, como todas las obras de Alex Garland, lo es. Hay más cámara en mano de lo habitual, que sirve para meternos a ras de guerra y de paso, sacarnos de la plácida trinchera en la que convive una colección de planos más arty, que reposan imágenes que aspiran a la trascendencia, en un terrorífico clima. Una atmósfera cálida y nerviosa que se debate entre la pesadillesco y lo postraumático. 

Garland ha cuidado al máximo estos detalles que definen lo mejor de su cine. Pero aquí, a quien ha consagrado en un protagonista más de la historia que nos ha querido contar es al sonido. Su inmersiva intervención en las escenas de acción bélicas, acercándola lo más posible a la realidad, dan auténtico pavor. El estruendoso ruido y los posteriores silencios que provocan la artillería  que oímos en esta película, la convierten de facto en una cinta de terror. Si las guerras suenan igual que en 'Civil War' no quiero ser testigo de ninguna de ellas.

CRÍTICA de SPY X FAMILY CÓDIGO: BLANCO (2023) por Juan Antonio Galindo

Spy X Family código: blanco llega a los cines españoles el 19 de abril de 2024. La película funciona como una extensión de la famosa serie anime y aterriza en las salas de la mano de Sony Pictures y Crunchyroll. En SOYDECINE ya hemos podido disfrutar de ella y, de cara a su estreno, queremos contarte qué nos ha parecido.

SINOPSIS

Él es un espía. Ella es una asesina. Juntos, Loid y Yor ocultan sus dobles vidas mientras fingen ser la familia perfecta. Sin embargo, su hija adoptiva, Anya, que es telépata, conoce los emocionantes secretos de ambos sin que lo sospechen. Bajo la excusa de llevar a su familia a una escapada invernal, los intentos de Loid por avanzar en su misión en curso, Operation Strix, se complican cuando Anya se involucra por error, desencadenando acontecimientos ¡que amenazan la paz mundial!

CRÍTICA

La familia de espías más famosa del anime llega a la gran pantalla con un nuevo capítulo. La cinta llega un tiempo después de su estreno en Japón, y con dos temporadas a sus espaldas (disponibles al completo en Crunchyroll). Spy x Family Código: Blanco puede servir como primera toma de contacto para quienes desconozcan a Anya, Yor, Twilight y el adorable Bond. Cómo viene siendo habitual cuando se hace una película de un anime, este nuevo episodio no formaría parte del canon y está pensado para que cualquiera pueda disfrutarlo.

Spy x Family sigue las aventuras de Loid Forger, un espía cuyo alias es el de Twilight, que para cumplir su misión y llegar a su objetivo, tendrá que formar una familia falsa casándose y adoptando a un hijo. Su esposa, Yor Forger, es en realidad una letal asesina, mientras que su hija adoptiva, Anya, posee poderes telepáticos, y para colmo, el perretes, Bond, es capaz de ver el futuro. La serie combina grandes dosis de comedia con tramas y homenajes al cine de espias, convirtiéndose en un éxito absoluto tanto en el mercado nipón como internacional.

Spy x Family Código: Blanco. Operación Meremere

La historia de Código: Blanco continúa con Twilight, que trata de progresar en la Operación Strix (la misión que justifica todo el argumento de la serie). Loid debe asegurarse de que su hija adoptiva, Anya, llegue a destacar en la escuela para hacerse con un hueco en la élite de los alumnos más aventajados y de este modo poder contactar con con un alto directivo que resultaría clave para alcanzar la paz entre Ostania y Westalis (los países que separan una región ficticia en guerra). Todo esto y algunos otros detalles esenciales nos lo contarán con una voz en off y usando algunos flashbacks en el prólogo.

El director de la escuela organiza un concurso de cocina, en él, los alumnos deberán preparar el mejor postre que puedan. El ganador o ganadora conseguirá una de las 8 estrellas necesarias para entrar en la élite de la escuela.

Humor y espías

Y este es el punto de partida de la película. Spy x Family Código Blanco mantiene los patrones del anime. El humor absurdo, las referencias al cine de espías y los momentos de acción están al nivel de los de la serie. Aunque es evidente y se nota un aumento de presupuesto.

A nivel de animación, el filme luce bastante bien. Los diseños y las expresiones de los personajes, los escenarios… Todo está cuidado al detalle. Aunque no hay duda de que las secuencias de acción y tiroteos son probablemente los momentos que más sacan a relucir el trabajo por parte de Wit Studio.

Rellenando Spy x Family

Cada uno de los protagonistas presenta su propia trama, que además tendrá su desarrollo y conclusión en la propia película.

Desafortunadamente hay una falta total de tensión sobre lo que está en juego. No hay que olvidar que cuando esté tipo de producciones no canónicas acaban, tienen que regresar a su punto de partida. No puede suceder nada relevante que determine y cambie el futuro de los personajes y su destino en esta historia. Por lo tanto, es extremadamente difícil ofrecer giros de guión y momentos que acaben generando un gran impacto en los espectadores.

En definitiva…

Spy x Family Código: Blanco funcionará a las mil maravillas para quienes ya estén familiarizados con los personajes, la animación y su particular humor. Pero como bien decíamos esta historia también se siente como un capítulo independiente, creado para que quienes no hayan visto nunca el anime, puedan disfrutarlo tanto como los/as fans (si es que consiguen conectar con la propuesta). Una apuesta original y divertida. Ideal para descubrir uno de los animes de moda.